IFPI es el organismo que representa globalmente a la industria discográfica. El Miércoles pasado ha publicado un nuevo reporte que remarca las cifras monetarias y servicios que los sellos proporcionan en el desarrollo y promoción de artistas. El documento es muy interesante por la información que contiene y la forma en que la industria musical se propone promoviendo la lucha anti-piratería y fomentando de los artistas. Tenemos que empezar a plantear este debate desde la cultura libre, entendiendo que el rol de estos intermediarios (discográficas y distribuidoras) se ha logrado instalar por encima de los intereses de los músicos y otros actores como arregladores, sonidistas, etc… Los verdaderos productores, podríamos decir.

Sin embargo, más allá del tono apologético, es necesario leer estos textos y pensar cómo sería un modelo superador desde nuestro lado. Esto es un desafío bien interesante. Veremos si podemos ir sistematizando algunas opiniones formadas.

Les dejamos el texto que fue publicado en el blog amigo Aliado Digital, que aconsejamos seguir permanentemente.

“Se estima que en su totalidad los sellos invierten $5,000 millones de dólares anuales en talento musical, apoyando a miles de artistas, y gastando un monto típico de $1 millón de dólares para catapultar a un artista/grupo pop en los principales mercados.  Habría más de 4,000 artistas en actividad en los sellos ‘major’ (EMI, Sony, Universal, Warner) –de los cuales el 25% habría sido contratado en los últimos 12 meses– y  varios miles más en las discográficas independientes.

Las compañías discográficas son los mayores inversores en el talento musical, aportando casi el 30% de sus ingresos por ventas en el desarrollo y mercadeo de artistas.  Asimismo, La música grabada tendría un enorme impacto económico, ayudando a generar un mayor sector musical, incluyendo la música en vivo, radio, edición, equipamiento de audio, estimado en $160,000 millones de dólares anuales.  IFPI calcula que este sector emplea a 2 millones de personas en todo el mundo.

Con respecto a la inversión inicial en un artista en EE.UU. y el Reino Unido, el reporte señala que el monto de $1 millón de dólares se divide de la siguiente manera:

• Adelanto para que el artista pueda concentrarse sólo en componer, practicar, grabar y tocar su música: $200,000 dólares.
• Grabación del primer disco (sin productores famosos ni orquestas, etc.): $200,000 dólares.
• Tres videos musicales: $200,000 dólares.
• Gira: $100,000 dólares.
• Promoción/márketing: $300,000 dólares.

Las inversiones de los sellos, sin embargo, están cada vez bajo mayor presión a causa del intercambio ilegal de contenidos en Internet y de otros modos de piratería.  Por ejemplo, en Francia, datos de la industria muestran que en 2009 las compañías discográficas invirtieron el 12% de sus ingresos en el márketing de artistas, una cuota que retrocedió considerablemente con respecto al 15% atribuido en 2006, cuando los ingresos ya habían caído enormemente debido a la piratería en línea.”

Mariana Baraj, cantante y percusionista reedita su primer disco solista Lumbre. Buenísimo disco, donde suma y enriquece las propuestas musicales que hace partiendo siempre de la raíz… Fundamental crecimiento para el siempre vivo folklore latinoamericano. Dentro del mismo está el bonus track del tema ganador del concurso de RedPanal que hicimos junto a la artista Alomejo luego no vuervo. Se acuerdan??? A partir de pistas cedidas por ella se crearon diversos temas posibles. Las voces de Mariana están basadas en “Ya me voy”, una copla del norte argentino anónima, de dominio público. Recordamos que el ganador del concurso fue un músico español, de Cadiz, llamado Huzkey. Acá pueden escuchar más de sus temas.

Para más info pueden chequear el blog de Mariana Baraj.

Nuestra comunidad está creciendo, esparciéndose en iberoamerica. Argentina está en el primer lugar en cuanto a participación de usuarios, siguiendo España, que suma entradas y participación de músicos y hermanos curiosos en esta aventura que es RedPanal, le sigue Mexico y Chile. Vean el gráfico de comparativas, que a fecha de hoy aporta lo que buscamos substancialmente que es la comunicación sin fronteras.

Los amigos de El Cosmonauta son increiiiiiiiibles!! Hace un tiempo lanzaron su concurso para hacer remixes del teaser de la película. Quienes les guste trabajar con formatos multimedia no pueden perderselo, por la calidad de la imagen que entregan. Ya hay unos 18 teasers realizados, uno mejor que el otro. Les dejamos la info:

Remézclanos.

Desde el principio, quisimos hacer de “El Cosmonauta” una experiencia participativa, que sirviera a todos para comprobar la potencia de las licencias libres. Después de un tiempo haciendo pruebas, damos salida a la primera de las convocatorias destinadas a ello: la Teaser Remix Experience, que lanzamos con TheAuteurs.

Puedes acceder al concurso en la sección “Participa”.

Hemos puesto a tu disposición 30 clips de vídeo (de los cuales no hemos utilizado ni la mitads :P), sonido ambiente, CGI, música (dos cortes del maestro Artemyev para “Solarys” de Tarkovski), locuciones en ruso e inglés, cartelas para acreditar la autoría… ¡todo lo que necesitas!

Tienes hasta el 31 de Marzo para enviar tu remix del Teaser.
Los ganadores se conocerán en la Yuri’s Night de este año.

¿Los premios? Lo que te contamos de momento es que habrán cámaras LOMO LCA Edición Especial “El Cosmonauta” y la chispa pop rusa de las cámaras secuenciales OKTOMAT.

¿Quienes están codo a codo con nosotros?

The Auteurs - Videoteca online distribuidora de The Criterion Collection y colaboradora de la iniciativa The World Cinema Foundation del director Martin Scorsese. Con más de un millón de usuarios, se ha convertido en el sitio web de referencia para ver cine de autor, recomendarlo, debatirlo y ahora… editarlo

Garage - La escuela digital de Cine de The Auteurs es un proyecto colaborativo donde cineastas de todo el mundo participan en iniciativas de edición, rodaje y producción. recién lanzado, ha generado grandes expectativas desde que se empezó a hablar de él hace meses.
Lomography Spain - Los representantes en España del fenómeno fotográfico que comenzara hace décadas en la Unión Soviética, ligada a un proyecto de fotografía militar, ya han estado con nosotros en la enterior experiencia colaborativa, “El sueño del cosmonauta”, donde cientos de lomografías exploraron el universo de una película que aún no existe. Ahora nos brindan todo ese maerial bajo Creative Commons y premiarán a los mejores remixers con cámaras de nombre ruso
Unifest - Tras cuatro años en los que han participado jóvenes de más de 80 universidades y 30 países, el festival Internacional de Cine Universitario UNIFEST celebra su quinto aniversario repartiendo más de 8000 euros entre estudiantes universitarios, estableciéndose definitivamente como la referencia en el mundo del cine Universitario. En breve desvelaremos el suculento premio con que agasajarán a los remixers.

We(Love)Cinema - El proyecto editorial sobre cine en Internet que más está dando que hablar (y que dará en los siguientes meses), cóctel de crítica y diseño y con un ambicioso calendiario de mesas redondas y actividades nos ha ayudado a dar forma a la comunicación final de esta experiencia poco usual en nuestro país.

UOC - Colaboradores de “El Cosmonauta” desde hace tiempo, la Universidad Oberta de Catalunya es la gran referencia universitaria en España en materia de formación en new media: creación colaborativa, software libre, transmedia, crowdsourcing… son palabras habituales en su temario. Con gusto por el riesgo y la experimentación, han decidido que quieren apoyar una iniciativa pionera en España: la Remix Experience de “El Cosmonauta”. El cómo lo revelamos en breve

SafeCreative - El primer registro mundial de propiedad intelectual, global, libre, abierto, independiente creado en un entorno web. Ofrece a los autores registro y alojamiento gratuito de las obras, y soporte para cualquier tipo de licencia (desde Copyright a Creative Commons, pasando por licencias creadas por el propio autor). Alojarán la película y los materiales en bruto del proyecto dentro de una ambiciosa colaboración con Riot Cinema que incluye trabajar juntos en la identificación semántica de la obra en Internet (esto es, que esté donde esté, se pueda saber cuáles derechos están abiertos y cuáles restringidos en la misma, sin enlaces, sin documentación añadida y sin alterar la obra).

The Internet Archive - Organización sin ánimo de lucro destinada a la preservación de recursos multimedia libres de derechos, o cuyos autores han decidido compartirlos con mayor libertad. Alberga el mayor archivo de películas, audio y texto Open Source. “El Cosmonauta” está alojado en la sección “Open Source Video”, y todo el material en bruto será alojado allí, además de en SC.

Todos sabemos que para armar un estudio de grabación o actualizar el que ya tenemos necesitamos una computadora personal (PC), algunos sabemos que también hace falta una placa de audio pero muy pocos conocen cómo elegir correctamente la misma. La clave está en descubrir qué debe tener para adecuarse a nuestras necesidades particulares y para ello se deben interpretar correctamente las especificaciones que brinda el fabricante. En esta nueva columna pretendemos demostrar que dicha tarea es realmente más sencilla de lo que creíamos.

Por consiguiente esta información está dirigida especialmente a dueños de estudios de grabación, ingenieros de sonido, docentes de música y sonido y todas aquellas personas que deseen comenzar a trabajar profesionalmente en estudios de grabación.

Convención.
Fíjense que decimos placa de audio por convención ya que si tuviéramos que hilar fino seguramente encontraríamos algún nombre más apropiado para mencionar a los dispositivos que se encargan de convertir señales de audio analógicas en digitales y viceversa desde y hacia la computadora. Interfase de audio, plaqueta de audio, tarjeta de audio, placa de sonido, interfase de sonido, plaqueta de sonido, placas multipista; son todos sinónimos de lo mismo. En general la primera parte varía entre placa, plaqueta, tarjeta o interfase y la segunda entre: de audio, de sonido o multipista.

Historia.
Recordemos que las placas de audio nacen en los finales de los ´80 casi con la primera masificación de las computadoras personales compatibles con IBM. En principio se las llamaba placas de sonido ya que traían incorporado un sintetizador y hubo dos modelos que hicieron historia, primero AdLib y luego Soundblaster, pero la calidad del sonido era muy pobre (8 bit) y por ello no tenían ninguna aplicación profesional para música. Paralelamente a ello nacieron los llamados sistemas de grabación digital a disco rígido cuyo mayor exponente fue el “56 K” de Turtle Beach Systems, usado profesionalmente para aplicaciones de masteríng en los estudios más importantes del mundo. Y por otro lado, también en el año 1989 nacieron las interfases midi que no trabajaban con sonido digital sino con datos MIDI. El MIDI, en esa época, fue una verdadera revolución tecnológica en el mundo de los instrumentos musicales. A mediados de los ´90 hubo una nueva gran masificación de las computadoras, y un nuevo avance de las capacidades de las mismas, lo cual dio lugar a sistemas más poderosos a precios más bajos. Y resumiendo bastante podemos decir que allí se amalgamaron estos tres diferentes dispositivos (interfase MIDI, placa de sonido y grabador de audio digital) en uno solo: la placa de audio.
Es decir que cuando hablamos de placa de audio, salvo raras excepciones, nos estamos refiriendo a un dispositivo que incluye interfase MIDI, conversores analógico / digitales y la función de sintetizador o placa de sonido y/o sampler.
Lamentablemente, para desgracia de los usuarios y consumidores, los fabricantes de instrumentos musicales electrónicos y placas de audio, quizás siguiendo algún extraño mandato de mercadotecnia, suelen bautizar a sus nuevos modelos con originales nombres no genéricos casi de ciencia ficción. Esto dificulta muchas veces el encuadre dentro de una categoría determinada de productos ya que todos dicen ser únicos en su especie. De manera que cada vez es menos claro el límite entre una consola, una superficie de control para DJ o un controlador MIDI y una placa de audio. O entre esta última y un sampler, un sintetizador o una multiprocesadora.
Pero no se desesperen, después de leer esta columna será muy sencillo discernir qué dispositivo es el ideal para las aplicaciones que deseamos sin caer en tener que comprar el que el fabricante o el vendedor quieren encajarnos.
Si uno es guitarrista y va a comprar un instrumento basta con tocar y escuchar cada uno de los modelos en cuestión y de allí tendremos más del 80 % de nuestra elección resuelta ya que nuestro oído puede diferenciar el sonido de cada uno de ellos y entonces nadie nos puede mentir o engañar. El resto serán cuestiones de construcción del instrumento que seguramente un amigo luthier con solo verlo nos podrá decir cual tiene mayor durabilidad, etc. En cambio con una placa de audio la cosa no es así, por qué? En general el amigo que entiende, no siempre está al día con la información ya que esto evoluciona mucho más rápido y nuestro oido no nos puede aconsejar nada puesto que todas suenan bien. Lo peor de todo es que los fabricantes y vendedores suelen resaltar las características sobresalientes y disimular las desventajas de sus productos.

Por ello el punto central es conocer qué significa exactamente cada una de las cosas (léase características o features) que pregonan los mismos. Así es pues que en nuestro recorrido intentaremos explicar, sin usar lenguaje técnico alguno, lo siguiente:
-Puertos de conexión. ¿PCI o PCI Express? ¿USB 1.0, 2.0 o Firewire? ¿Interna o externa?
-El mito de los DSPs (Procesadores de Señales Digitales).
-ASIO. ¿Qué significa? ¿Para qué sirve exactamente? ¿Por qué no sirven los ASIO for ALL?
-Entradas y salidas. Una, 2, 4, 8, 12, 16 o 48, ¿cuántas necesito? ¿De línea, Hi Z, de micrófono con phantom power?
-Frecuencia de Muestreo, Resolución y calidad de los conversores.
-Durabilidad, Obsolescencia y otros viejos trucos del avance tecnológico.

Por Jose Samplertini para PCMidiCenter.

Ayer, 2 de Febrero, Enrique Dans hizo una comparecencia ante la subcomisión de Propiedad Intelectual del Congreso de los Diputados de España. Leanla, ya que no tiene desperdicio:

“En la comparecencia, presidida por Clementina Díez de Baldeón (PSOE), estuvieron presentes los diputados Aitor Esteban (PNV), Jose Andrés Torres Mora (PSOE), Mª Gràcia Muñoz Salvà (PSOE), Jose María Lassalle (PP), Montserrat Surroca (CiU) y Joan Tardà (ER), además de la Letrada Asesora Lidia García. Había notificado previamente a la Secretaría de la Subcomisión mi deseo de utilizar una presentación, que está ahora disponible en SlideShare, y que en realidad quería únicamente para marcar los tiempos, ilustrar un poco las ideas-fuerza y no perder el hilo, así que tras unos breves instantes para conectar mi portátil, comenzamos. Llevaba un guión por si acaso había algún problema con el ordenador o la presentación, aunque no llegué ni a sacarlo del maletín. La presentación me llevó once minutos y medio, a los que siguió bastante más tiempo de preguntas y respuestas. La sesión, a puerta cerrada, se grabó en su integridad, aunque la grabación no se transcribirá y se considera para uso interno de la Subcomisión.

Empecé planteando la idea de evolución y de cómo el contexto social y tecnológico determina los modelos legislativos. Brevemente, repasé la historia de la propiedad intelectual desde la época en que ésta simplemente no existía como tal, hasta la aparición de la imprenta y la creación de la Stationers’ Company de Londres, con partituras que eran archivadas con el nombre del impresor, no del artista, un momento en el que claramente se separa la creación del negocio que genera la difusión de la misma. Hablé de cómo los derechos de autor han estado tradicionalmente vinculados al concepto de soporte y de copia, conceptos que ahora pierden completamente su sentido en un entorno en que el soporte se desmaterializa y la copia es algo que todos hacemos con cada clic de nuestro ratón. Revisé varias etapas, hasta llegar a la situación actual en Internet, con un montón de modelos diferentes que conforman un ecosistema de enorme diversidad, completamente imposible de controlar, en el que múltiples piezas interactúan en rápido movimiento. De ahí pasé a demostrar cómo habían sido las reacciones de la industria ante innovaciones como los cassettes (“home taping is killing music”) o el vídeo doméstico (“I say to you that the VCR is to the American film producer and the American public as the Boston strangler is to the woman home alone”), y cómo esos temores ante el inevitable progreso tecnológico habían resultado completamente ridículas, infundadas y malintencionadas, exactamente igual que las recientes demandas de determinados artistas españoles que reclamaban que “en cinco años esto desaparece, no habrá ni canciones ni música”.

Tras revisar la cadena de valor de la industria y su inadaptación al nuevo entorno, traté de emplazarlos a plantear la reforma de la ley del copyright en términos de “viejo modelo vs. nuevo modelo”: el viejo modelo, el centrado en torno a los soportes y las copias, es un caballo muerto. Y cuando tienes un caballo muerto, puedes usar un látigo mejor, cambiar de jinete, amenazar al caballo con despedirlo, nombrar un comité de estudio de caballos muertos, visitar otros países a ver como montan caballos muertos, cambiar las leyes para favorecer a los caballos muertos, reclasificarlos como “vivos inmóviles”, unir varios caballos muertos en un mismo tiro, subvencionarlos, promocionarlos como supervisores de otros caballos, redefinir las prestaciones de los caballos para que los muertos cualifiquen mejor… pero al final, estarás mejor desmontando y cambiando de caballo. Terminé hablando de modelos que sí funcionan, de cómo los actores tradicionales lastran otros que podrían funcionar, de cómo intentar controlar las descargas por la vía represiva era como fabricar hachas de madera, y de cómo la peor manera de buscar soluciones era perpetuando una situación de monopolio, ratificada por el reciente informe de la Comisión Nacional de la Competencia, que impedía el desarrollo de alternativas. En el fondo, para los diputados de la Subcomisión, el asunto está entre quedarse apoyando un viejo modelo agotado y sin sentido, frente a no permitir que una situación meramente coyuntural (las descargas) y unos intermediarios interesados y en régimen de monopolio condicionasen el desarrollo de nuevos modelos.

Tras la presentación, hubo un buen número de preguntas, todas ellas muy pertinentes e interesantes. Aitor Esteban me preguntó por la dinámica de la transición entre ambos modelos y por las posibilidades de España de definir su opción estando como está condicionada por el entorno internacional, una pregunta que me pareció muy buena y en la que recurrí al ejemplo de Brasil como país que está trabajando en una redefinición del modelo. Joan Tardà me pidió que profundizase en el asunto de la imposibilidad de control (en donde toqué los aspectos derivados de cómo un excesivo control acabaría generando una red cada vez más cifrada y mucho más incontrolable), y planteó el papel de las operadoras en el tema y su posible contribución, mientras que Jose María Lassalle me pidió mi opinión sobre la forma en que estos temas se estaban tratando en la LES.

Impresiones, en general positivas con respecto a la comparecencia, aunque no tanto en relación con los posibles frutos de la misma. En la actitud de la mayoría de los integrantes de la Subcomisión me pareció ver un interés genuino por entender el tema, por hacer preguntas pertinentes y por plantear el asunto de manera constructiva. El problema, me temo, puede venir del papel que esta Subcomisión acabará jugando en el tema: creámoslo o no, una Subcomisión creada expresamente para estudiar la modificación de la propiedad intelectual puede acabar siendo completamente irrelevante, y los asuntos de verdadera importancia decidirse en leyes que actúan a modo de “caballo de Troya” como la LES, en lo que constituiría una verdadera falta de respeto al Parlamento y a los ciudadanos. Veremos si la Subcomisión, finalizadas las comparecencias, es capaz de producir unas conclusiones conjuntas, y el efecto que éstas podrían llegar a tener en caso de producirse.”

¿Qué es omras2?

Reconocimiento y búsqueda de música online.

o, alternativamente,

Música de recuperación y escritura ontológica para compartir servicios.

omras2 es un framework para escritura y búsqueda de colecciones de música grabada y representaciones digitales como MIDI. El proyecto está financiado por el EPSRC.

Escritura.

omras2 define dos normas fundamentales para anotar música.

* Un conjunto de ontologías extensibles que permite compartir datos a través de la web y vinculados a los recursos existentes;
* Una interfaz de plug-in para la extracción de características de audio y los módulos de escritura.

Numerosos módulos de escritura ya están disponibles como complementos Vamp. La interfaz de Vamp puede apoyar una amplia gama de productos, desde audio low-level (espectrogramas, etc) a las escrituras high-level (tempo, clave, estructura musical, syncro con otros performances, etc.) Un kit de desarrollo está disponible por lo que es fácil de envolver cualquier código C o C++ como un plugin de Vamp, compatibilidad con Python y otras mejoras.

Sonic Visualiser es la aplicación de escritorio más potente de omras2 para correr los plugins Vamp o  pistas individuales, así como para ver la salida o realizar modificaciones manuales. Sonic annotator es una herramienta de línea de comando que permite ejecutar plugins fácilmente en todos los archivos de una colección. Ambas aplicaciones son multiplataforma y libres. Sonic Annotator permite que la salida de Vamp sea guardada en una variedad de formatos, en particular en RDF, utilizando la características ontológicas del audio. omras2 Harmonic Visualiser es una nueva aplicación para Windows que permite la visualización y edición de notas individuales dentro de un espectro de llamada polifónicos.

Compartir

Los datos son compartidos en omras2 como RDF, pudiendo ser publicado de manera muy sencilla a la web y accediendo directamente a través de HTTP, o almacenado en un triple store (una base de datos RDF). Datos RDF se puede navegar como convencionales páginas web HTML y como documentos RDF son hiper-vinculados de una manera similar. La aplicación omras2 GNAT se puede utilizar para escanear todos los archivos de audio en una base de datos y generar un documento RDF vinculando la información existente en la web. Se utiliza en paralelo con Sonic annotator, siendo que esto le permite automáticamente crear partituras para cada tema de su colección y para vincularlos con información de alta calidad editorial como el catálogo de grabación MusicBrainz. Para que sea más sencillo de usar anotaciones RDF en su propio código, omras2 proporciona tutoriales sobre el uso de las bibliotecas estándar de cliente RDF en C + + y Java.

Recuperación

El software de recuperación musical omras2 en la actualidad consta de dos motores de búsqueda basados en contenido de audio. audioDB es un poderoso motor de búsqueda de alto nivel que puede encontrar pasajes de música correspondientes en grandes colecciones de audio. Soundbite es una aplicación ligera que genera listas de reproducción.

Siguiente…

La investigación en curso en omras2 incluye

* El despliegue de las “maquinas de conocimiento” - Máquinas que se sirven de RDF través de la web y son capaces de hacer sobre la marcha procesamiento de audio y escritura mediante plugins Vamp, y
* El desarrollo de la lógica basada en motores de inferencia para crear nuevos conocimientos de una red existente de datos RDF, por ejemplo, deducir las reglas de la armonía de la información sobre los acordes individuales.

Algunos módulos de escritura ya están disponibles como servicios dinámico RDF, incluyendo un servicio acorde etiquetado que trabaja con la entrada MIDI.

Gracias Lifo Fernandez por siempre hacernos conocer este tipo de demenciales cosas!!

Hoy nos toca poner nuestra voz en el Diálogo Interplanetario por la Cultura Libre!

A través de Facundo García (del diario Página/12) nos están llegando novedades de la Carpa temática que instalamos con organizaciones hermanas en el FSM 2010. Porque otra cultura es posible! Ojalá disfruten el relato.

Desde Canoas

Debe haber pocos temas en esta décima edición del Foro Social Mundial que susciten tanta incertidumbre y posiciones encontradas como el de la cultura, y los primeros dos días dejaron la certeza de que la polémica atraviesa a toda la región. El Parque Eduardo Gomes, en la localidad de Canoas –a pocos kilómetros de Porto Alegre–, reúne colectivos de Brasil, la Argentina, Uruguay y otros países del continente en un maratón de conversaciones donde se intercambian pareceres vinculados con la música, el cine y los libros, pero también con los saberes tradicionales, la agricultura sustentable y las identidades de las minorías. Hay, desde luego, apreciaciones que se comparten. Acaso la principal sea que no habrá distribución de riquezas sin distribución de los conocimientos, lo que transforma la discusión en una instancia estratégica a la hora de pensar en una sociedad más justa.

Metáfora del futuro

“Así como a lo largo del siglo XIX se pensó que el socialismo consistía en gestionar la sociedad como si fuera un servicio de ferrocarriles, hoy la metáfora que se utiliza es la de la cultura libre, con el software como referencia más clara. Hay que ver hasta dónde se puede usar esa analogía”, sostuvo al inicio el investigador francés Christophe Aguiton, miembro de Attac (siglas correspondientes a lo que podría traducirse como “Asociación por el impuesto a las transacciones económicas y la ayuda de los ciudadanos”). El diagnóstico de partida era bien conocido: en una etapa del capitalismo en que el manejo de datos se ha convertido en eje de desarrollo, los cercos legales que el gran capital pretende imponer sobre la circulación de saberes representa una avanzada sobre el pueblo. “En este contexto –resaltó Aguiton– se pueden y deben abrir nuevos espacios de lucha contra el sistema.” Para el especialista, el campo de batalla está definido por varios ejes. Existen, entre otros fenómenos, nuevas formas de innovación colectiva –el mash up y el remix se han posicionado como formas de creación dominantes–, más un nuevo individualismo que no se contrapone con la colaboración, y una cultura política emergente que prefiere las redes antes que los partidos tradicionales. “Antes, lo importante era pertenecer a un grupo. En colectividades pequeñas, no se podía elegir porque apartarse significaba morir. Hoy estamos en una sociedad más fluida, en la que nuestras interrelaciones se establecen por otros motivos. Paralelamente, el aislamiento ha traído nostalgia de las viejas maneras de interactuar. Y la tecnología puede ayudar en eso –vía redes sociales y similares–, aunque conlleva varios peligros, porque puede otorgar a firmas muy poderosas detalles minuciosos acerca de nuestra existencia.”

A la hora de compartir lo vivido en 2009, la delegación argentina festejó la confluencia de luchas que otrora se consideraban incompatibles. Grupos relacionados con la agricultura, el copyleft y la edición independiente –por citar tres rubros al azar– están aunando esfuerzos en la búsqueda de un frente común. “Este entendimiento se ha visto favorecido por sucesos como el reciente juicio al profesor Horacio Potel (perseguido por subir a la web textos de filosofía que no se consiguen en castellano); y por el avance de las semillas patentadas y sus consecuencias”, resaltó Beatriz Busaniche, de Vía Libre Argentina. Desde Buenos Aires Libre, una red de vecinos conectados a través de un sistema inalámbrico que no depende de ningún proveedor privado, Nicolás Echaniz convocó a seguir profundizando las coincidencias. “Si vamos a formar parte de un movimiento de cambio, necesitamos tender lazos para lograr un relato completo de lo que somos y lo que buscamos, porque los que tenemos enfrente sí tienen un relato completo”, exhortó. La socióloga Marilina Winik y varios integrantes de FM La Tribu escuchaban con atención, listos para continuar el cronograma con sus propias conferencias. Pero al caer el sol, la conceptualización sesuda dejó paso al samba.

Por la unidad

“Voy a hablar en portuñol por la unidad.” No es raro que empiecen así las intervenciones en las cabañitas que se reparten entre los árboles de Canoas. Es que a pesar de que pasó ya una década desde aquel primer foro, la certeza de estar comprendiéndose en la diferencia no deja de causar satisfacción. En ese sentido, Pablo Ortellado, de la organización paulista Epidemia (www.aepidemia.org), reconoció que una perspectiva latinoamericana sobre el concepto de cultura libre requería “ir más allá de la cuestión de las licencias”. Discutía así con toda una corriente de activismo que se centra en los asuntos legales. “Definir según esos parámetros no basta. Las megaempresas ya están creando productos culturales con licencias ‘liberadas’ que se pueden alterar y copiar, por ejemplo. Sin embargo, eso no significa que estén en contra de la mercantilización de la cultura. Y sabemos que la mercantilización congela a la cultura, ya que desde un punto de vista capitalista la innovación es considerada primordialmente un riesgo.”

Las posturas del gobierno de Lula alrededor de esos debates suscitan cantidades equivalentes de apoyos y suspicacias. De cualquier modo –y a pesar de que el discurso que el presidente brasileño dio el martes tuvo mucho de puesta en escena–, el paso del ministro interino de Cultura Alfredo Manevy por los galpones donde se llevan a cabo las conversaciones dejó en claro que la posición del PT en lo que respecta a software libre y propiedad intelectual es muchísimo más moderna que la que defiende el oficialismo en Argentina. “Es hora de que estos asuntos sean llevados a una discusión pública. Hay que consultar a los artistas populares sin dejar de lado a los usuarios comunes, que tienen todo el derecho a defender su acceso a las canciones, las películas y los saberes. Desde el gobierno sabemos perfectamente que la forma en que se resuelvan estas tensiones será determinante sobre la economía del siglo XXI. Aparte, no puede ser que la música de aquí sea conocida en todo el planeta y el pueblo no consiga gozar de la riqueza que él mismo produce”, planteó Manevy. El funcionario había aparecido de golpe con su barba, su pelo largo y un traje que provocaba piedad en los que habían optado por pasar la calurosísima tarde en bermudas y chancletas. Se retiró poco después, para que el ida y vuelta continuara en un marco de comidas típicas, sonido de tambores y jugos de fruta. “La cultura libre se vive en el cuerpo”, lanzó alguien en mitad de la tertulia. En eso, Brasil colabora bastante.

Las placas de audio son una de las herramientas más necesarias para un músico que quiere armar su historia, montar la maqueta (demo) de sus temas, compartirla con amigxs para ver qué feedback tiene e interminables etceteras. Basicamente, es lo que nos permite grabar en forma casera con calidad profesional y a bajo costo.

De acuerdo a la cantidad de entradas de audio, las placas suelen clasificarse en:

Placas de Audio propiamente dichas. Las que tienen una entrada estéreo (o dos entradas mono).

Placas Multipista. Tienen más de dos entradas de audio mono. Pueden ser 4, 8, 10, 12, 16, etc. Siempre que se alude a la cantidad de entradas de audio se está hablando de entradas monofónicas. Es decir que para trabajar con 2 señales estereofónicas, por ejemplo, hace falta una placa multipista de 4 entradas, 2 de las cuales se usarán para un par estéreo (Izquierdo/Derecho) y las otras 2 para el otro.

¿Cuál es la ventaja de una placa multipista respecto a las comunes? La posibilidad de grabar simultáneamente diferentes señales de audio en pistas separadas. Por ejemplo la grabación de una batería con 6 o más micrófonos, un cuarteto de vientos o de violines, etc. No va a faltar quien piense: “si yo tengo una consola con 6 entradas de micrófono puedo mezclar todo y de ahí entrar a la placa de audio y con un programa multipista las separo en la compu”. Lamentablemente, eso no es posible, puesto que una vez mezcladas, las señales no pueden ser separadas. Algo semejante a lo que sucedería si mezcláramos pinturas de distintos colores en un tacho y quisiéramos separarlas después.

¿Cuándo son suficientes 2 o 4 entradas? Generalmente cuando se trata de Estudios de Grabación Personal – si se me permite la expresión- monousuarios, es decir que los usa una sola persona a la vez. Porque las placas con 2 entradas permiten grabar a lo sumo 2 ejecuciones simultáneamente y ello es más de lo que un músico solo puede tocar en una misma toma. El trabajo en un EGP, por lo general, consiste en grabar una pista, luego otra, después la siguiente, y así sucesivamente; siempre tocadas por la misma persona. Aquí vale la pena aclarar que existen en el mercado ciertas placas multipista de 4 entradas cuyo precio es apenas un 10 % mayor al de una placa de 2 entradas. Por eso son muy “populares” en los estudios de grabación personal ya que pagando un poco más tenemos el doble de entradas.

¿Qué pasa si nuestro instrumento es la batería? Bueno… los bateristas siempre fueron problemáticos, necesitan más espacio, más volumen y -en el estudio de grabación personal- más pistas. Es necesario que el bombo, el tambor, los platos y el hi-hat sean grabados en pistas separadas para poder darles, en el momento de la mezcla, un nivel adecuado de paneo, volumen y reverb a cada uno; además de un efecto y una ecualización específicas. Entonces, para grabar una batería, 2 entradas no son suficientes. Cuatro serían mejor pero aún estaríamos muy limitados. A partir de 6 entradas comienza a ser lo comúnmente usado para grabar una batería. Tomando en cuenta la experiencia en el asesoramiento de placas de audio para músicos y estudios de grabación recogida a lo largo de estos últimos 20 años, podría hacer la siguiente simplificación, representada en el cuadro de abajo.

Los estudios de grabación personal (EGPs) suelen requerir placas de audio de 2 o de 4 entradas. Las salas de ensayo, los estudios de grabación personales de bateristas así como los estudios de grabación pequeños suelen usar placas multipistas de 6, 8 o 10 entradas de audio. Mientras que los estudios de grabación que trabajan para terceros suelen utilizar placas de audio de 12 o más entradas y apilables, es decir de las que se pueden colocar más de una en la misma computadora para obtener así 16, 24, 36, 48 o más entradas.
Además debemos destacar que para Djing se requiere de placas de audio de 4 entradas para ingresar la señal proveniente de 2 bandejas (o compacteras, ipods, mp3s, etc.) simultáneamente, y de 4 salidas, para monitorear.

Entradas digitales. Tengamos presente que hasta aquí hemos hablado de entradas de audio pero no especificamos si las mismas son analógicas o digitales. Eso mismo suelen realizar los fabricantes de las mismas cuando diseñan sus nombres y publicidades. En consecuencia hay muchos modelos que se llaman 66, por ejemplo, haciendo alusión a 6 entradas y 6 salidas, pero 2 de las cuales son digitales. Que sean digitales implican indefectiblemente que no se pueda conectar una guitarra, un micrófono ni cualquier otra señal analógica.

El viejo truco de las falsas entradas. Cuidado. Algunos vendedores inexpertos de placas de audio - por ignorancia o malicia, quién sabe - suelen confundir cantidad con tipo. Entonces si la ficha técnica de una placa de audio, por ejemplo, dice que trae: 2 entradas de micrófono, línea o instrumento ellos nos dicen: “esta tiene 4 entradas: dos de micrófono, una de línea y una de instrumento.” Cuando en realidad se trata de una placa de solamente 2 entradas. A cada una de ellas se le puede conectar un micrófono, una señal de línea o un instrumento por vez. O sea una de esas 3 y no las 3 simultáneamente.

José Samplertini (para pcmidicenter)
josesamplertini@gmail.com