Las redes p2p (par a par) de intercambio de archivos que permiten descargas de música, películas y videojuegos son más legales que nunca. Ésa es al menos la doctrina que se deriva de una sentencia del Juzgado Mercantil número 7 de Barcelona desestimando la demanda de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) contra Jesús Guerra, al que acusaba de infringir a través de su página web Elrincondejesus la propiedad intelectual de obras musicales de su repertorio.

IFPI es el organismo que representa globalmente a la industria discográfica. El Miércoles pasado ha publicado un nuevo reporte que remarca las cifras monetarias y servicios que los sellos proporcionan en el desarrollo y promoción de artistas. El documento es muy interesante por la información que contiene y la forma en que la industria musical se propone promoviendo la lucha anti-piratería y fomentando de los artistas. Tenemos que empezar a plantear este debate desde la cultura libre, entendiendo que el rol de estos intermediarios (discográficas y distribuidoras) se ha logrado instalar por encima de los intereses de los músicos y otros actores como arregladores, sonidistas, etc… Los verdaderos productores, podríamos decir.

Sin embargo, más allá del tono apologético, es necesario leer estos textos y pensar cómo sería un modelo superador desde nuestro lado. Esto es un desafío bien interesante. Veremos si podemos ir sistematizando algunas opiniones formadas.

Les dejamos el texto que fue publicado en el blog amigo Aliado Digital, que aconsejamos seguir permanentemente.

“Se estima que en su totalidad los sellos invierten $5,000 millones de dólares anuales en talento musical, apoyando a miles de artistas, y gastando un monto típico de $1 millón de dólares para catapultar a un artista/grupo pop en los principales mercados.  Habría más de 4,000 artistas en actividad en los sellos ‘major’ (EMI, Sony, Universal, Warner) –de los cuales el 25% habría sido contratado en los últimos 12 meses– y  varios miles más en las discográficas independientes.

Las compañías discográficas son los mayores inversores en el talento musical, aportando casi el 30% de sus ingresos por ventas en el desarrollo y mercadeo de artistas.  Asimismo, La música grabada tendría un enorme impacto económico, ayudando a generar un mayor sector musical, incluyendo la música en vivo, radio, edición, equipamiento de audio, estimado en $160,000 millones de dólares anuales.  IFPI calcula que este sector emplea a 2 millones de personas en todo el mundo.

Con respecto a la inversión inicial en un artista en EE.UU. y el Reino Unido, el reporte señala que el monto de $1 millón de dólares se divide de la siguiente manera:

• Adelanto para que el artista pueda concentrarse sólo en componer, practicar, grabar y tocar su música: $200,000 dólares.
• Grabación del primer disco (sin productores famosos ni orquestas, etc.): $200,000 dólares.
• Tres videos musicales: $200,000 dólares.
• Gira: $100,000 dólares.
• Promoción/márketing: $300,000 dólares.

Las inversiones de los sellos, sin embargo, están cada vez bajo mayor presión a causa del intercambio ilegal de contenidos en Internet y de otros modos de piratería.  Por ejemplo, en Francia, datos de la industria muestran que en 2009 las compañías discográficas invirtieron el 12% de sus ingresos en el márketing de artistas, una cuota que retrocedió considerablemente con respecto al 15% atribuido en 2006, cuando los ingresos ya habían caído enormemente debido a la piratería en línea.”

Argentina abraza a Chile: bajo esa consigna, numerosos artistas ofrecerán este sábado un festival solidario para brindar apoyo y manifestar solidaridad a las víctimas del terremoto. Encabezarán la jornada León Gieco, Gustavo Cerati, Los Fabulosos Cadillacs y Ricardo Darín. También participarán D-Mente, Andrés Calamaro, Víctor Heredia y Luis Alberto Spinetta, quienes se sumaron con el correr de la tarde de ayer. Será desde las 16 en Avenida Figueroa Alcorta y La Pampa, con entrada libre y gratuita. La idea es que el público colabore con agua mineral, leche larga vida, ropas de abrigo o medicamentos para enviar al país vecino.

El encuentro pretende ser el punto de partida para canalizar la ayuda que promoverá Red Solidaria en los próximos días. Ayer por la tarde, los artistas y el titular de esa institución, Juan Carr, brindaron una conferencia de prensa en la embajada de Chile. El primero en tomar la palabra fue León Gieco, quien dedicó unas palabras a “los fachos de Internet”: “Ellos se preguntan cómo es que estamos ayudando a los chilenos si ellos cedieron las islas para la guerra de Malvinas. Yo les respondo que esa determinación no la tomó el pueblo chileno, sino un genocida y ladrón como fue Augusto Pinochet. Si comparamos al pueblo chileno con Pinochet es como si nos compararan a nosotros con Videla”, sostuvo el músico. “Ayudamos a Chile porque los pueblos argentino y chileno estamos hermanados desde siempre”, subrayó.

Gieco anticipó que el show cerrará con todas las voces unidas para entonar estrofas de “Sólo le pido a Dios”, elección “ideológicamente clara”, puesto que compuso ese tema a propósito del conflicto con el país vecino por el canal de Beagle y como “símbolo de paz” entre ambos países. Finalmente, aclaró que el festival fue una idea de Palito Ortega. “Hoy lo llamé y le dije ‘me mandaste a trabajar’. Se siente conmovido con todo.”

Darín también manifestó su emoción por participar de la iniciativa. “Siento que lo mínimo que puedo hacer es retribuirles todo lo que me brindaron, y desear que este abrazo lleno de amor de los argentinos les llegue a los chilenos.” También agradeció al público que tiene del otro lado de la cordillera por el afecto que le expresa cada vez que lo visita. Vicentico, por su parte, expresó: “Muy pocas veces sucede que nos podemos juntar todos en esta ciudad. No nos queda otra que estar acá y pasarla bien todos juntos para tirar buena onda, cariño. Gracias a todos los que vengan”. Otro músico que tomó la palabra fue Andrés Giménez, de D-Mente, quien sostuvo que “es buenísimo entregar amor para que el pueblo de Chile salga al frente”.

Luego de vincular la catástrofe chilena con problemáticas nacionales, en particular con la situación de Tartagal, Carr reflexionó: “Esta tragedia pone en evidencia una que existe desde antes, que es el hecho de que los más afectados son los pobres”. El titular de la ONG se ocupó de remarcar que las puertas para colaborar permanecerán abiertas más allá del día puntual del festival. “Primero quiero agradecer porque estallan los teléfonos y los mails. Pero la campaña durará hasta Navidad, porque reconstruir lleva mucho tiempo”, instó. Entre los puntos del país a los que se puede acercar ayuda mencionó a la ciudad y a la provincia de Buenos Aires, Mendoza y Bariloche. Adelantó, también, que próximamente será lanzada una campaña en las escuelas públicas de recopilación de tapitas. Respecto del festival, informó que habrá camiones desde la mañana a la espera de lo que los espectadores puedan ofrecer. “Nosotros estamos buscando a cada persona, a cada familia, cada pequeño lugar afectado por el sismo para que la entrega realmente, aunque sea pequeña y simbólica, repercuta”, agregó un comunicado que la entidad difundió también ayer por la tarde.

Los artistas aprovecharon para solicitar a las empresas que estén interesadas en hacer llegar donaciones que lo hagan tanto a través de Red Solidaria como de Canal Encuentro. Al día siguiente del abrazo argentino, Chile tendrá su propio concierto en el Movistar Arena de Santiago, en donde se reunirán los exponentes más destacados de la escena local.

La reunión de las más de veinte bandas tiene como propósito juntar alimentos, artículos de aseo y dinero para enviar a las víctimas a través de la Cruz Roja. Entre los artistas que ya se sumaron se encuentran Los Tres, Lucybell, Los Miserables, De Saloon, Chancho en Piedra, Los Petinellis, Gondwana, Gonzalo Yáñez, Javiera y Los Imposibles.

Via Página/12

Buscando información sobre los números que se manejan en la industria musical, nos hemos ido encontrando con data interesante que queremos compartir con ustedes.

Por un lado, en la página de CAPIF se puede leer un resumen sobre el Reporte de Música Digital 2009 que hizo la IFPI:

“El Reporte de música digital 2009 elaborado por IFPI y difundido mundialmente la última semana da cuenta del crecimiento de este sector: en 2008 el mercado digital creció un 25% y representó un negocio de US$ 3,7 billones en todo el mundo.

Las plataformas digitales hoy representan aproximadamente el 20% de las ventas de música a nivel mundial

La música se encuentra a la vanguardia de la revolución digital y mobile, generando más ingresos a través de sus plataformas digitales que los diarios (4%), las revistas (1%) y la industria cinematográfica (4%) combinados.”

Esta evaluación parece ser notablemente contraria a los que vociferan la crisis de la música por la masificación de los formatos digitales, el P2P y la piratería. Deben ser muy pocas las industrias que en 2008, en plena crisis mundial, han crecido 25% en sus ganancias!

Por otro lado, el siguiente gráfico muestra la forma en que las ganancias se reparten entre los diferentes actores de la industria. Como se ve, el creador queda totalmente relegado en relación a las compañias discográficas (record companies) y las distribuidoras (retailers o digital service providers). Y esto en Inglaterra, donde las cuotas de reparto son más justas que en la mayoría de los países hispano-parlantes!!

Transcribimos una excelente nota de Lito Nebbia. Por fin músicos de referencia empiezan a plantear las cosas tal como son, con la voluntad de crear un modelo más justo, sustentable y positivo para los músicos.

La Cámara de Diputados ha convertido en ley un proyecto que prolonga de 50 a 70 años los derechos de las compañías discográficas sobre los discos que alguna vez editaron. Y es una pena que el Congreso a veces no tenga información clara y real sobre lo que trata, porque esta ley sólo protege a las grandes compañías discográficas para que puedan seguir manipulando a su antojo centenares de álbumes de diversos géneros. Albumes que, en la mayoría de los casos, están bajo un contrato leonino en el que el artista no tiene la menor posibilidad de ver respetada su obra y mucho menos de percibir los derechos reales que le corresponden.

El artista siempre es perjudicado a través del tiempo. Cuando no aparecen reediciones de sus trabajos creativos, pierde de cobrar sus royalties discográficos. Si es autor, también se debilita el cobro de sus ingresos autorales. Pero lo más grave es que, en algunos casos, ha ocurrido que el manipuleo sobre la no edición de una obra es lo más parecido que hay al término “que te borren del mapa”.

Pensemos: el artista no tiene disco para trabajar, tampoco lo tiene para que siga vigente su obra, y si llega a reclamar que lo liberen, tampoco le permiten publicar su trabajo. Ni siquiera digo, a estar altura, pedirles que te devuelvan un master: aquí se trata de una verdadera Máquina de la Inconveniencia.

Puedo citar detalles de mi caso personal: a mis 17 años firmé contrato con la legendaria RCA como integrante de mi grupo de adolescencia, Los Gatos. Hasta hoy esos álbumes llevan vendidas millones de copias. Pero nunca podremos saber exactamente el número, porque la compañía discográfica, que sub-edita a través de casas sucursales que tiene por todo el mundo, jamás hace una rendición de cuentas fuera de tu país de origen. Tengo ediciones de mis discos en Estados Unidos, Venezuela, Bolivia, Uruguay, Chile, Costa Rica, Brasil… Y, de este modo, jamás he cobrado un centavo. Los Gatos éramos número 1 en ventas en casi toda América latina. Lo mismo pasó con mis primeros discos como solista. Hay canciones que han estado varias semanas en los primeros puestos de otros países, y jamás me las liquidaron.

Mientras va transcurriendo el contrato leonino que firmó, uno siempre está ocupado y entusiasmado con el siguiente disco, y piensa que finalmente todo se va a solucionar. Por eso no se litiga oportunamente. Además, ¿cómo desconfiar de la gente que está tan interesada en nuestra música? Pero cuando el contrato termina, y uno queda libre de grabar para esa compañía, es cuando comienza el mayor atropello.

Cuidado: estoy refiriéndome exclusivamente a hechos que ocurren en el ambiente de nuestro país. En Estados Unidos, cuando algunos artistas terminan su contrato, la compañía sigue permanentemente reeditando su obra y cuidándola. Ni qué hablar si es un artista que continúa en total actividad: sigue manteniendo relación con la compañía anterior, sencillamente porque el cuidado del material grabado es algo que les compete y conviene a ambos.

En nuestro país hay un anecdotario lleno de historias donde un gran artista, uno de esos que le ha hecho ganar muchísimo dinero a la discográfica (y soy uno de ellos), trata de comunicarse con la compañía para una consulta o reunión, y ni siquiera lo atiende la secretaria de algún ejecutivo. Terminado el contrato, hay un cese de relaciones. Entonces comienzan a ocurrir atrocidades como cambios de portadas, equivocaciones en los créditos, mala masterización de los álbumes, hasta llegar a un par de sucesos que me parece bueno contar.

Varios años atrás, la compañía que tiene derechos sobre los discos de Los Gatos publicó un casete de regalo dentro de una caja de las hamburguesas Paty, que se vendía exclusivamente en los grandes supermercados. Así como lo están leyendo. Lógicamente incluía el tema “La balsa”… O sea que no sólo se hartaron de ganar dinero, y mal pagarnos derechos durante 40 años, ¡sino que ahora hacen un negocio hasta con las carnicerías!

Luego de esto, durante un verano de esos en que ya no saben qué inventar para vender boludeces en la playa, publicaron un CD remix de temas clásicos de los años ’60. No podía faltar nuevamente “La balsa”. Esta vez a nuestra grabación original le sumaron pitos y matracas, gente haciendo algarabía y una cantidad de basura que es una falta de respeto para una grabación que es un hito para la historia de la música popular argentina.

¿Existe alguna ley en nuestro país que pueda corregir o no permitir que sucedan este tipo de cosas? Por supuesto que no.

¿Qué desearíamos más los artistas que el hecho de que la vieja compañía discográfica donde registramos nuestros primeros éxitos sea la que siga desarrollando el material (con un contrato legal y razonable), y en el caso de artistas con larga trayectoria, llegar a un acuerdo donde el paso del tiempo y los cambios tecnológicos de los productos no terminen resultándonos perjudiciales?

Muchas veces en reportajes me preguntan qué pienso de la piratería y por supuesto que no estoy de acuerdo con eso, ni con nada que signifique robar. Pero, ¿cuál es mi lugar como artista, cuando por un disco que se vende de Los Gatos percibo cuatro centavos? La piratería no me hace nada, si sólo pierdo 4 céntimos…

Cuando estábamos a punto de celebrar el 40º aniversario de nuestro grupo y de la grabación de “La balsa”, mantuve reuniones con ejecutivos de la compañía que tiene el derecho de explotación (nunca mejor usado este término) de nuestros discos. Asistí con la propuesta de revisar ese tramposo contrato que firmé a mis 17 años. Lógicamente nunca nos pusimos de acuerdo. ¿Cómo ponerse de acuerdo con gente que desprecia la música?

Ayer nos enteramos de que un grupo de lobbistas norteamericanos esta intentando convencer a su gobierno de que quienes usen y promuevan el software libre atentan contra los intereses de la nación. Estos señores conforman la denominada Alianza Internacional para la Propiedad Intelectual (IIPA), una banda de retrógrados defensores a ultranza de los derechos de autor, la propiedad intelectual y toda esa basura que nos impide ser libres culturalmente.

Estos lobbistas son los encargados de crear la temible Lista 301, que se encarga de vigilar a los países en cuanto a cuan correctamente se cuidan los derechos de propiedad intelectual. Para decirlo en criollo, controlan y presionan a los países que no cumplan debidamente con las leyes de copyright.

Ahora bien, la IIPA esta tratando de convencer al gobierno estadounidense para que considere al código libre como un enemigo de los intereses de la nación y que debilitaría a la industria de software americana. Así que cualquier país que adopte soluciones basadas en software libre seria puesto en observación y considerado un enemigo de los Estados Unidos, por atentar contra las empresas desarrolladoras de software, los derechos de autor, la propiedad intelectual y cuanto invento se les cruce en la cabeza.

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Conocimos mucha gente interesante en el Foro Social Mundial, la mayoría de ellos en el marco del Diálogo interplanetario de Cultura Libre, que desde una concepción amplia (como debe ser) de la cultura reunía gente de las más diversas áreas de trabajo.

Por simple afinidad temática, uno de los proyectos que mas nos deslumbró, fue el movimiento brasilero Música Para Baixar, que no casualmente al igual que la música popular brasilera se identifica con la sigla MPB.

MPB es una iniciativa para conectar diversas áreas relacionadas como: música, arte tecnología y comunicación colaborativa para generar y llevar propuestas para el mayor numero de personas posible, extrapolando las fronteras de un género o de la música misma.

MPB nace de la necesidad de involucrar económicamente mas actores del ámbito cultural brasilero, pero no desde la lógica de mercado imperante y excluyente, sino con una nueva relación entre capital y trabajo apostando a los conceptos y prácticas de la economía solidaria.

Fernando Anitelli de Musica Para Baixar y Dardo Ceballos de Red Panal en el FSM2010

Este movimiento conformado por músicos de todo Brasil, además de poner su arte al servicio de la gente, también esta fuertemente involucrado en el debate por derechos autorales, y ha tomado una posición muy clara en contra del proyecto de control de Internet que se debatió en las cámaras legislativas de aquel país.

El MPB entiende que además de hacer música, grabar y distribuir discos, es necesario un debate que permita a los actores sociales involucrados en el movimiento participar de una forma amplia y participativa de un cambio de percepción de la realidad de la industria musical.

Esta propuesta viene siendo articulada por diferentes actores de áreas distintas de la escena brasilera como músicos, VJs, activistas do software libre, productoras(es) culturales, académicos, agentes públicos, movimientos sociales, etc., donde todos están invitados a sumarse a esta lucha y una buena manera de comenzar es firmando el Manifiesto del Movimiento MPB.

Gog y Fernando Anitelli de Música para Baixar representando la Cultura Libre en la Marcha y el Show de Apertura del FSM2010

Participamos de las actividades del Diálogo Interplanetario de Cultura Libre donde se abordaron temas como derechos autorales y propiedad intelectual desde una mirada latinoamericana.

Mariano de NMIC, Dardo de RedPanal y Guillermo de Mozilla Argentina en el FSM2010.

La última semana de enero de 2010 viajamos a Porto Alegre junto a más de 40 proyectos relacionados a la cultura libre de Argentina y Uruguay  para participar de un diálogo regional sobre ésta temática que se realizo en el marco del Foro Social mundial 2010 por iniciativa del Colectivo Paulista Epidemia y con un fuerte esfuerzo de coordinación del Colectivo La Tribu y otras organizaciones.

La experiencia fue sumamente enriquecedora, una semana conviviendo con otros proyectos  permitió el intercambio de ideas entre diferentes actores sociales que abordan el tema de la cultura libre desde miradas distintas pero siempre relacionadas como el software libre, expresiones del arte libre (música, literatura, plástica), medios de comunicación y hasta soberanía y libertad alimentaria.

Hubo 3 días de intenso trabajo en la sede Canoas del FSM 2010 donde se sentaron las bases de un emergente movimiento latinoamericano que comienza a plantear la necesidad de que los bienes culturales de todo tipo pertenezcan al dominio público.

La actividad se organizó en torno a una serie de charlas y paneles que abordaron desde perspectivas diferentes el tema central que es la necesidad de un cambio cultural integral y global que permita desnaturalizar el hecho de que una idea, obra de arte o hecho cultural  puede ser apropiado por alguien para mantenerlo oculto del resto de la sociedad en una práctica medieval, que hoy es socialmente aceptada por la fuerte presión que imponen las corporaciones que usufructúan con ella.

Red Panal participó del panel sobre “Sustentabilidad: ¿Es posible ser un profesional de la Cultura Libre?” donde se abordaron las posibilidades de financiamiento para proyectos de Cultura Libre, y compartimos nuestra experiencia con proyectos muy interesantes como el movimiento brasilero de música libre:  Música para Baixar, la experiencia autogestionaria del grupo Teatro Mágico, y las editoriales independientes Milena Caserola (argentina), y Editorial Toró (Brasil).

Dardo Ceballos presentando RedPanal en el Foro Social Mundial 2010

Este primer encuentro cumplió con el objetivo de poner en relación a la gente que trabaja en la región por una cultura libre para el bien de toda la sociedad, es el punto de partida para trabajar sobre un consenso alrededor del concepto de que cultura queremos y conformar una coalición regional dispuesta a generar propuestas de trabajo y legislación en esta materia.

El próximo desafío es continuar trabajando en red con todos los participantes del diálogo interplanetario de cultura libre, sumar nuevos actores para empoderar la coalición, y organizar para Enero de 2011 un nuevo encuentro que tendrá como sede la ciudad de Sao Paulo. ¡Es hora de poner cabeza y manos a la obra!

Para participar de la articulación de esta iniciativa y recibir informaciones sobre el proceso, unite a nuestra lista de discusión:

culturalivre@lists.gpopai.org
http://lists.gpopai.org/listinfo.cgi/culturalivre-gpopai.org

Ayer, 2 de Febrero, Enrique Dans hizo una comparecencia ante la subcomisión de Propiedad Intelectual del Congreso de los Diputados de España. Leanla, ya que no tiene desperdicio:

“En la comparecencia, presidida por Clementina Díez de Baldeón (PSOE), estuvieron presentes los diputados Aitor Esteban (PNV), Jose Andrés Torres Mora (PSOE), Mª Gràcia Muñoz Salvà (PSOE), Jose María Lassalle (PP), Montserrat Surroca (CiU) y Joan Tardà (ER), además de la Letrada Asesora Lidia García. Había notificado previamente a la Secretaría de la Subcomisión mi deseo de utilizar una presentación, que está ahora disponible en SlideShare, y que en realidad quería únicamente para marcar los tiempos, ilustrar un poco las ideas-fuerza y no perder el hilo, así que tras unos breves instantes para conectar mi portátil, comenzamos. Llevaba un guión por si acaso había algún problema con el ordenador o la presentación, aunque no llegué ni a sacarlo del maletín. La presentación me llevó once minutos y medio, a los que siguió bastante más tiempo de preguntas y respuestas. La sesión, a puerta cerrada, se grabó en su integridad, aunque la grabación no se transcribirá y se considera para uso interno de la Subcomisión.

Empecé planteando la idea de evolución y de cómo el contexto social y tecnológico determina los modelos legislativos. Brevemente, repasé la historia de la propiedad intelectual desde la época en que ésta simplemente no existía como tal, hasta la aparición de la imprenta y la creación de la Stationers’ Company de Londres, con partituras que eran archivadas con el nombre del impresor, no del artista, un momento en el que claramente se separa la creación del negocio que genera la difusión de la misma. Hablé de cómo los derechos de autor han estado tradicionalmente vinculados al concepto de soporte y de copia, conceptos que ahora pierden completamente su sentido en un entorno en que el soporte se desmaterializa y la copia es algo que todos hacemos con cada clic de nuestro ratón. Revisé varias etapas, hasta llegar a la situación actual en Internet, con un montón de modelos diferentes que conforman un ecosistema de enorme diversidad, completamente imposible de controlar, en el que múltiples piezas interactúan en rápido movimiento. De ahí pasé a demostrar cómo habían sido las reacciones de la industria ante innovaciones como los cassettes (“home taping is killing music”) o el vídeo doméstico (“I say to you that the VCR is to the American film producer and the American public as the Boston strangler is to the woman home alone”), y cómo esos temores ante el inevitable progreso tecnológico habían resultado completamente ridículas, infundadas y malintencionadas, exactamente igual que las recientes demandas de determinados artistas españoles que reclamaban que “en cinco años esto desaparece, no habrá ni canciones ni música”.

Tras revisar la cadena de valor de la industria y su inadaptación al nuevo entorno, traté de emplazarlos a plantear la reforma de la ley del copyright en términos de “viejo modelo vs. nuevo modelo”: el viejo modelo, el centrado en torno a los soportes y las copias, es un caballo muerto. Y cuando tienes un caballo muerto, puedes usar un látigo mejor, cambiar de jinete, amenazar al caballo con despedirlo, nombrar un comité de estudio de caballos muertos, visitar otros países a ver como montan caballos muertos, cambiar las leyes para favorecer a los caballos muertos, reclasificarlos como “vivos inmóviles”, unir varios caballos muertos en un mismo tiro, subvencionarlos, promocionarlos como supervisores de otros caballos, redefinir las prestaciones de los caballos para que los muertos cualifiquen mejor… pero al final, estarás mejor desmontando y cambiando de caballo. Terminé hablando de modelos que sí funcionan, de cómo los actores tradicionales lastran otros que podrían funcionar, de cómo intentar controlar las descargas por la vía represiva era como fabricar hachas de madera, y de cómo la peor manera de buscar soluciones era perpetuando una situación de monopolio, ratificada por el reciente informe de la Comisión Nacional de la Competencia, que impedía el desarrollo de alternativas. En el fondo, para los diputados de la Subcomisión, el asunto está entre quedarse apoyando un viejo modelo agotado y sin sentido, frente a no permitir que una situación meramente coyuntural (las descargas) y unos intermediarios interesados y en régimen de monopolio condicionasen el desarrollo de nuevos modelos.

Tras la presentación, hubo un buen número de preguntas, todas ellas muy pertinentes e interesantes. Aitor Esteban me preguntó por la dinámica de la transición entre ambos modelos y por las posibilidades de España de definir su opción estando como está condicionada por el entorno internacional, una pregunta que me pareció muy buena y en la que recurrí al ejemplo de Brasil como país que está trabajando en una redefinición del modelo. Joan Tardà me pidió que profundizase en el asunto de la imposibilidad de control (en donde toqué los aspectos derivados de cómo un excesivo control acabaría generando una red cada vez más cifrada y mucho más incontrolable), y planteó el papel de las operadoras en el tema y su posible contribución, mientras que Jose María Lassalle me pidió mi opinión sobre la forma en que estos temas se estaban tratando en la LES.

Impresiones, en general positivas con respecto a la comparecencia, aunque no tanto en relación con los posibles frutos de la misma. En la actitud de la mayoría de los integrantes de la Subcomisión me pareció ver un interés genuino por entender el tema, por hacer preguntas pertinentes y por plantear el asunto de manera constructiva. El problema, me temo, puede venir del papel que esta Subcomisión acabará jugando en el tema: creámoslo o no, una Subcomisión creada expresamente para estudiar la modificación de la propiedad intelectual puede acabar siendo completamente irrelevante, y los asuntos de verdadera importancia decidirse en leyes que actúan a modo de “caballo de Troya” como la LES, en lo que constituiría una verdadera falta de respeto al Parlamento y a los ciudadanos. Veremos si la Subcomisión, finalizadas las comparecencias, es capaz de producir unas conclusiones conjuntas, y el efecto que éstas podrían llegar a tener en caso de producirse.”

Las placas de audio son una de las herramientas más necesarias para un músico que quiere armar su historia, montar la maqueta (demo) de sus temas, compartirla con amigxs para ver qué feedback tiene e interminables etceteras. Basicamente, es lo que nos permite grabar en forma casera con calidad profesional y a bajo costo.

De acuerdo a la cantidad de entradas de audio, las placas suelen clasificarse en:

Placas de Audio propiamente dichas. Las que tienen una entrada estéreo (o dos entradas mono).

Placas Multipista. Tienen más de dos entradas de audio mono. Pueden ser 4, 8, 10, 12, 16, etc. Siempre que se alude a la cantidad de entradas de audio se está hablando de entradas monofónicas. Es decir que para trabajar con 2 señales estereofónicas, por ejemplo, hace falta una placa multipista de 4 entradas, 2 de las cuales se usarán para un par estéreo (Izquierdo/Derecho) y las otras 2 para el otro.

¿Cuál es la ventaja de una placa multipista respecto a las comunes? La posibilidad de grabar simultáneamente diferentes señales de audio en pistas separadas. Por ejemplo la grabación de una batería con 6 o más micrófonos, un cuarteto de vientos o de violines, etc. No va a faltar quien piense: “si yo tengo una consola con 6 entradas de micrófono puedo mezclar todo y de ahí entrar a la placa de audio y con un programa multipista las separo en la compu”. Lamentablemente, eso no es posible, puesto que una vez mezcladas, las señales no pueden ser separadas. Algo semejante a lo que sucedería si mezcláramos pinturas de distintos colores en un tacho y quisiéramos separarlas después.

¿Cuándo son suficientes 2 o 4 entradas? Generalmente cuando se trata de Estudios de Grabación Personal – si se me permite la expresión- monousuarios, es decir que los usa una sola persona a la vez. Porque las placas con 2 entradas permiten grabar a lo sumo 2 ejecuciones simultáneamente y ello es más de lo que un músico solo puede tocar en una misma toma. El trabajo en un EGP, por lo general, consiste en grabar una pista, luego otra, después la siguiente, y así sucesivamente; siempre tocadas por la misma persona. Aquí vale la pena aclarar que existen en el mercado ciertas placas multipista de 4 entradas cuyo precio es apenas un 10 % mayor al de una placa de 2 entradas. Por eso son muy “populares” en los estudios de grabación personal ya que pagando un poco más tenemos el doble de entradas.

¿Qué pasa si nuestro instrumento es la batería? Bueno… los bateristas siempre fueron problemáticos, necesitan más espacio, más volumen y -en el estudio de grabación personal- más pistas. Es necesario que el bombo, el tambor, los platos y el hi-hat sean grabados en pistas separadas para poder darles, en el momento de la mezcla, un nivel adecuado de paneo, volumen y reverb a cada uno; además de un efecto y una ecualización específicas. Entonces, para grabar una batería, 2 entradas no son suficientes. Cuatro serían mejor pero aún estaríamos muy limitados. A partir de 6 entradas comienza a ser lo comúnmente usado para grabar una batería. Tomando en cuenta la experiencia en el asesoramiento de placas de audio para músicos y estudios de grabación recogida a lo largo de estos últimos 20 años, podría hacer la siguiente simplificación, representada en el cuadro de abajo.

Los estudios de grabación personal (EGPs) suelen requerir placas de audio de 2 o de 4 entradas. Las salas de ensayo, los estudios de grabación personales de bateristas así como los estudios de grabación pequeños suelen usar placas multipistas de 6, 8 o 10 entradas de audio. Mientras que los estudios de grabación que trabajan para terceros suelen utilizar placas de audio de 12 o más entradas y apilables, es decir de las que se pueden colocar más de una en la misma computadora para obtener así 16, 24, 36, 48 o más entradas.
Además debemos destacar que para Djing se requiere de placas de audio de 4 entradas para ingresar la señal proveniente de 2 bandejas (o compacteras, ipods, mp3s, etc.) simultáneamente, y de 4 salidas, para monitorear.

Entradas digitales. Tengamos presente que hasta aquí hemos hablado de entradas de audio pero no especificamos si las mismas son analógicas o digitales. Eso mismo suelen realizar los fabricantes de las mismas cuando diseñan sus nombres y publicidades. En consecuencia hay muchos modelos que se llaman 66, por ejemplo, haciendo alusión a 6 entradas y 6 salidas, pero 2 de las cuales son digitales. Que sean digitales implican indefectiblemente que no se pueda conectar una guitarra, un micrófono ni cualquier otra señal analógica.

El viejo truco de las falsas entradas. Cuidado. Algunos vendedores inexpertos de placas de audio - por ignorancia o malicia, quién sabe - suelen confundir cantidad con tipo. Entonces si la ficha técnica de una placa de audio, por ejemplo, dice que trae: 2 entradas de micrófono, línea o instrumento ellos nos dicen: “esta tiene 4 entradas: dos de micrófono, una de línea y una de instrumento.” Cuando en realidad se trata de una placa de solamente 2 entradas. A cada una de ellas se le puede conectar un micrófono, una señal de línea o un instrumento por vez. O sea una de esas 3 y no las 3 simultáneamente.

José Samplertini (para pcmidicenter)
josesamplertini@gmail.com