En la actualidad, la grandísima mayoría de la música se graba en formato multipista (o multitrack). Esto significa que lo que escuchamos en una canción es una mezcla de los diversos sonidos que la componen: la voz, la guitarra, el bajo, la batería y cada uno de los instrumentos de una grabación están registrados independientemente.

Una de las cosas más importantes de RedPanal es que en el sitio la música se sube (preferentemente) en formato multipista. Esto es lo que permite que las otras personas de la comunidad puedan tomar cada pedazo y reelaborarlo para seguir haciendo nuevas cosas. Por eso, un pedido permanente que hacemos a toda la gente que participa de RedPanal es que se suba las canciones terminadas, pero también cada track por separado. Así nos enriquecemos todos, compartiendo, colaborando, haciendo música libremente.

Para mostrar en la práctica como funciona una sesión multipista, te proponemos hacer este sencillo ejercicio:

1.- Descarga un editor de audio multipista. Existen muchos muy buenos. Si no tienes ninguna preferencia, te recomendamos Audacity, que es simple, liviano y funciona en cualquier sistema operativo.

2.- Descarga una de las sesiones multipista de los siguientes artistas (clickear en el nombre de la canción).

The Beatles

Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band / With A Little Help from my friends / A Day In The Life / She´s Leaving Home

Bob Marley

Lively Up Yourself / Is This Love / No Woman, No Cry

Queen

Bohemian Rhapsody

Stevie Wonder

Superstition

Nine Inch Nails

Capital G / 1000000 / Another version of the truth / coronaradiata

Posteo original con pistas de Nirvana, Marvin Gaye, Doobie Brothers.

AC/DC

Back in Black / You shook me all night long / Tomado  del disco Live at Donington

The Rolling Stones

You Gotta Move (Live 1969) / (I Can’t Get No) Satisfaction (Live 1969) / I’m Free (Live 1969) / Prodigal Son (Live 1969) / Sympathy For The Devil / Under My Thumb (Live 1969)

Nirvana

Lithium / Smell Like Teens Spirit

Beastie Boys

So what’cha want

Billy Idol

Dancing with myself

The Clash

Should I stay or should I go

The Police

Can’t stand losing you / Roxanne / So lonely / Synchronicity II

Posteos original con más sesiones de Ramones, Lenny Kravitz, David Bowie, Deep Purple, Joan Jett and the Blackhearts, Joe Satriani, Kiss, Queen, Wild Cherry, Santana, Steve Vai.

Existen más sesiones de los músicos que más te gustan en Taringa, por Torrent y otros recovecos de la web. A explorar!

3.- Por último, abre las pistas en tu editor de audio y empieza a jugar con ellas: con el mute, solo, volumen y equalizador de cada canal ya podés divertirte. Si empiezas a procesar cada pista con plugins… Dios se apiade de tu alma!

Mira este video del taringuero espejaime para hacerte una primera idea.

Ahora que ya sabes cómo funciona una sesión multitrack, esperamos que aportes con tus creaciones y tus pistas en RedPanal, para que toda la comunidad siga creciendo colectivamente! Ahí nos vemos!!

Navegando, investigando, devorando información para el armado de nuestro proyecto Sinetesik, nos cruzamos con este texto de Antonio Rodriguez, que transcribimos por la pedagógica forma de encarar el tema que tiene, explicando las opciones y sus características.

“Desde que vi el video de Jeff Han y su interface multi touch hace ya un año, he quedado totalmente prendado de esa tecnología y me he dedicado a investigar sobre el tema. En realidad es una tecnología no tan nueva, y lo más interesante del tema es que es relativamente sencilla.

Hay todo un movimiento alrededor de los display multi touch, y geeks del todo el mundo se están construyendo sus propios dispositivos de este tipo, e investigando como perfeccionarlos. Los prototipos que están saliendo son de una calidad que nada tendría que envidiar a un dispositivo comercial de estas caracteristicas.

Yo, como buen geek que soy y sobretodo porque soy el primero en babear con esta maravilla tambien he estado investigando y haciendo mis preparativos para construirme mi propio prototipo. Tengo especial interés ya que como programador me abre un montón de posibilidades para experimentar con él una vez lo tenga terminado y funcionando.

Cuando definitivamente me planteé comenzar con este proyecto, lo primero que tuve que hacer fue decidir que tipo de tecnología emplearía en mi interface. Existen dos enfoques principales a la hora de desarrollar un multi touch, que si bien se basan en lo mismo, se construyen de forma totalmente diferente:

FTIR (Frustrated Total Internal Reflection):

Este primer sistema es el más conocido y utilizado hasta el momento, probablemente porque es el sistema que empleó Jeff Han y el que puso de moda esta tecnología.

Con este método utilizamos un panel de acrílico, el cual iluminamos desde sus bordes con LEDs infrarrojos. Utilizamos acrílico y no cristal, porque su transmitancia frente a la luz infrarroja es ideal, mientras que la del cristal no nos sirve para lograr este efecto.

Lo que estamos haciendo es “inundar” el panel de luz IR, la cual va rebotando en su interior (reflexión interna total). Cuando colocamos los dedos sobre el panel, estamos frustrando la reflexión interna y reflejando la luz hacia abajo, donde tenemos una cámara infrarroja, o una videocámara normal con un filtro IR que detectará esos “blobs” de luz, los cuales procesaremos con el ordenador para obtener su posición y de ese modo emplearlos como controladores.

Sobre el panel acrílico colocamos un material difusor sobre el que proyectar la imagen del ordenador desde abajo.

Al utilizar los dedos desnudos sobre el panel, el efecto de “frustración” funciona muy bien, especialmente si tenemos los dedos humedos, debido a que la piel de los dedos es semitransparente y se deforma al apretarla contra el panel, sin embargo al colocar la pantalla difusora, eliminamos el efecto y es necesario hacer bastante presión para obtener el resultado deseado. Para ello debemos utilizar una superficie intermedia entre el panel y el difusor (conocida como complaint surface). Se ha investigado bastante sobre este tema, y actualmente lo que mejor resultado da es crear una fina pelicula de silicona transparente (Sort A Clear Silicone Rubber). Esto complica algo el diseño del prototipo, y lo encarece un poco, aunque no tanto como para frenar a un geek que se precie.

DI (Diffused Illumination):

El segundo método para este tipo de displays es la iluminación difusa. En este caso no inundamos de luz IR el panel (el cual ahora puede ser de plexiglass, cristal escarchado o lo que queramos), sino que lo iluminamos desde la parte inferior empleando lámparas LED, y procurando que quede totalmente iluminado. Al colocar los dedos sobre el panel, estaremos reflejando la luz que viene desde abajo otra vez hacia allí, donde tenemos nuestra cámara.

Este tipo de paneles ademas de trackear los dedos, pueden identificar tambien imagenes fiduciales (el famoso Reactable es un claro ejemplo de este tipo de displays), aunque los “blobs” generados no son tan claros como en el caso de los FTIR.

Los paneles DI son más fáciles de construir, ya que no necesitamos soldar la circuitería de leds para enmarcar el acrílíco, ni necesitamos la “complaint surface”. Sin embargo el dispositivo debe estar encerrado dentro de una caja y la calibración de las lamparas LED es bastante más compleja par obtener un resultado óptimo. Otra desventaja, aunque es posible solucionarlo, es la luz IR ambiente que se cuela desde arriba, lo cual hace que a veces incluso detecte blobs sin llegar a tocar el panel.

Aunque tengo que reconocer que los sistemas DI me atraen bastante por su capacidad de interpretar patrones fiduciales, al final me decidí por el modelo FTIR como primer prototipo, aunque no descarto explorar el modelo DI en un futuro (especialmente si obtengo buenos resultados con el primero, ya que lo más caro es el proyector; y una vez teniendo uno nada me impide hacer otros experimentos con él).

Ahora mismo estoy empezando a encargar los materiales como el panel acrílico y los leds, seguiré informando sobre el proyecto en cuanto empiecen a llegarme.”

Fuente: Multitouch interface.

Ayer tuvimos un lindo intercambio con un grupo de venezolanos via Identica y Twitter. Empezó gracias a la noticia del próximo Encuentro Latinoamericano en Conocimiento Libre y Licenciamiento que nos sirvió para ponernos en red y preguntarnos “Qué podemos hacer con la música libre en cada uno de nuestros países?”.

RedPanal originalmente nació en Argentina. El grupo más activo de la comunidad sigue estando (a nuestro pesar!) geograficamente ahí. Sin embargo, queremos que sea un espacio abierto, donde puedan aportar personas y organizaciones de cualquier lado del mundo, poniendo especial hincapié en Nuestra América.

Así la cosa, invitamos a todxs a participar de nuestra incipiente lista de correos, donde compartimos algunas de las líneas de trabajo que llevamos adelante. Sería un muy buen hilo de conversación “Cómo armamos nodos de música libre?”. Se suman? Es abierta y todxs son bienvenidxs!

@nodolibre @CNTI @w3asel @MichelEnLaRed @lordvalor @eliuflorez / @miusters @kossa @ejdecena @pigbar @F0405 @YoRosales @Maru1ve @emirblog

Es por todos conocida la historia de la “Red Special“, la guitarra que fue construida en 1963 por el propio Brian May con la ayuda de su padre Harold, cuando todavía estaba en el colegio (FOTO A). Una de sus características reside en el circuito, ya que mientras la mayoría de las guitarras tienen el suyo en paralelo, la de May trae tres pickups de simple bobina conectados en serie. De esta forma, al switchear dos pickups se obtiene el sonido del humbucker. Cada pickup tiene un switch de on/off y otro para cambiar de fase cuando se usan dos o tres pickups al mismo tiempo (FOTO B). El mango de la “Red Special” es de caoba con 24 trastes, el bloque central y la trastera son de roble, mientras que el frente y la parte trasera del cuerpo llevan un enchapado de caoba sobre un bloque macizo con cámaras de aire. En cuanto a los accesorios, los resortes del sistema de vibrato provienen de las válvulas de una moto, la cenefa del cuerpo de bordes de estantes, y los marcadores de trastes de botones de madre perla. Los pickups son “Burns Tri-Sonic” bañados en resina epoxy (araldite) para prevenir acoples microfónicos. ¿Cuánto le costó esta guitarra al guitarrista de Queen? Unas £8, algo así como U$15.-

Durante toda su carrera se lo asoció con los amplificadores Vox AC30. Actualmente el guitarrista usa el modelo AC30 TBX Blue Alnico Speaker Model 2 x 12″ (FOTO C). Estos equipos valvulares británicos son clase A. Tienen cuatro entradas divididas en tres canales -Vib/Trem, Brillant, Normal- de los cuales May usa siempre el canal “Normal” al máximo y con los controles de tono en 0, controlando el sonido desde su guitarra (FOTO D). En vivo, May usa por lo general 12 de estos equipos de 30 watts en cuatro grupos de a tres: con delay 1 & chorus, sonido normal sin efectos, con delay 2 & chorus.

DEACY AMP

Este equipo fue el responsable de la mayoría de los sonidos de May en estudio (FOTO E). Fue construído por John Deacon, bajista de Queen. Es transistorizado (transistores de germanio) con un tamaño de 12″ x 6″, y lleva un pequeño parlante que Deacon adaptó de un equipo de audio hi-fi de la época. May enchufaba su guitarra al Treble Booster y de ahí a este “Deacy Amp”.

PUA

En vez de utilizar una púa plástica común, May usa monedas -un penique inglés- que es chiquito y con un borde dentado, porque cree que las púas plásticas son muy flexibles.

TREBLE BOOSTER

Un ingrediente clave en el sonido de May es el booster de agudos (+30dB), que quita parte de las frecuencias graves de su sonido para permitirle aprovechar toda la distorsión natural valvular de sus equipos. Originalmente, May utilizaba un pedal Dallas Rangemaster que se perdió en los 70′s (“Queen I” a “Una Noche en la Opera” . Su padre le construyó luego un reemplazo basado en el mismo circuito. Más tarde Peter Cornish, quien también le hizo la pedalera a May, produjo otra versión de este booster de agudos, el TB83 usado hasta “Back to the Light”. Actualmente, el guitarrista usa el “Brian May Fryer Treble Booster” construído por Greg Fryer, quien también los hace comercialmente para el público en general (FOTO F).

EFECTOS

Brian May usó desde 1972 una pedalera que contenía dos switches para los dos ecos a cinta Echoplex, un pedal Foxx Phaser, un Treble Booster y un Pete Cornish Treble Boost doble custom con bypass switches (FOTO G).
En 1982, Pete Cornish le fabricó el sistema que May utilizó hasta que le fue robado, antes del Freddie Mercury Tribute Concert de Wembley. Este sistema constaba de un regulador de voltage y fuente de poder que le permitía al guitarrista utilizar un cable de 30 mts. de largo sin perdida de señal, y una unidad de ruteo que alimentaba a 14 Vox AC30: tres llevaban la señal de uno de los MXR Digital Delay y tres la segunda señal de otro de los delays MXR, cinco con la señal sin efecto, y tres más con la señal del Boss CE-1. En vez de encender y apagar los efectos, éstos estaban siempre prendidos y lo que May hacía era mutear los equipos según el sonido deseado.

La pedalera que operaba May llevaba dos switches para los delays MXR digitales, un pedal para regular la velocidad del Phaser Foxx en un chasis de Crybaby, dos Treble Booster, un chorus Boss CE-1, switches on/off para el Booster y el chorus, un afinador y un pedal controlador del Harmonizer Eventide que no iba al ampli sino al sistema de sonido de la banda (FOTO H).

Como solista, Brian May utilizó distintas variantes de su set-up. En principio, iba de su guitarra al “Fryer Treble Booster” y de ahí a un inalámbrico Samson. Este envía su señal a una interfase Rocktron, la cual la divide para ir a dos Rocktron Intellifex conectados a un delay Yamaha D5000 en estéreo, a un afinador Peterson Strobetuner y también directo a un equipo. Un Rocktron Patchmate era usado por May para controlar los programas mediante una pedalera Korg
A comienzos del nuevo siglo, May incluyó un wah wah Crybaby luego del Treble Booster, pasando por el Rocktron Patchmate Midi Switcher que envía la señal al Rocktron Intellifex para efectos de chorus estéreo, a dos delays digitales Bel (800 y 1600 ms.) y a un afinador Peterson, todo gobernado por una pedalera Rocktron Midi Mate, siempre con la misma configuración de tres equipos (FOTO I).
Quizás el efecto más famoso usado por Brian May sea su delay para producir armonías en tiempo real. Originalmente lograba esto con delays a cinta, y actualmente el guitarrista utiliza delays digitales. Para lograr el efecto “May” hay que utilizar dos delays, uno seteado en 800 ms. y el otro en 1600 ms. Las tres señales (normal, delay 1 y delay 2) son enviadas a tres equipos (derecha – centro – izquierda) para prevenir cualquier intermodulación de las distorsiones.

Fuente: El rincón del guitarrista.

Y como siempre, yapa musical… Por Taringa podemos encontrar el master original de Queen (Bohemian Rapshody), versión multitrack. Bajate un editor de audio, las pistas, y empezá a mezclar a Queen, grabarle arreglos tuyos, etc.

MuseScore es un programa de notación musical libre multiplataforma WYSIWYG, bajo licencia GNU GPL.

Algunas de sus características son:

• WYSIWYG (Lo que ves es lo que obtienes), las notas se escriben en una “partitura virtual”
• Número ilimitado de pentagramas
• Hasta cuatro voces por pentagrama
• Inserción de notas fácil y rápida con ratón, teclado o MIDI
• Secuenciador integrado y sintetizador por software FluidSynth
• Importa y exporta MusicXml y archivos MIDI Estándar
• Disponible para Windows, Mac y Linux
• Disponible en 26 idiomas
• Licencia GNU GPL

En pocos días, el trailer del documental sobre Arduino que está produciendo el Laboral (Centro de Arte y Creación Industrial) está generando enorme revuelo. Arduino es posiblemente el proyecto de hardware libre más relevante que hasta hoy exista. Para la música, esto trae nuevos caminos que tendremos que experimentar y crear.

Arduino es una plataforma de electrónica abierta para la creación de prototipos basada en software y hardware flexibles y fáciles de usar. Se creó para artistas, diseñadores, aficionados y cualquiera interesado en crear entornos u objetos interactivos.

Arduino puede tomar información del entorno a través de sus pines de entrada de toda una gama de sensores y puede afectar aquello que le rodea controlando luces, motores y otros actuadores. El microcontrolador en la placa Arduino se programa mediante el lenguaje de programación Arduino (basado en Wiring) y el entorno de desarrollo Arduino (basado en Processing). Los proyectos hechos con Arduino pueden ejecutarse sin necesidad de conectar a un ordenador, si bien tienen la posibilidad de hacerlo y comunicar con diferentes tipos de software (p.ej. Flash, Processing, MaxMSP).

Las placas pueden ser hechas a mano o compradas montadas de fábrica; el software puede ser descargado de forma gratuita. Los ficheros de diseño de referencia (CAD) están disponibles bajo una licencia abierta, así pues eres libre de adaptarlos a tus necesidades.

Arduino recibió una Mención Honorífica en la sección Digital Communities de la edición del 2006 del Ars Electronica Prix. El equipo Arduino (Arduino team) es: Massimo Banzi, David Cuartielles, Tom Igoe, Gianluca Martino, and David Mellis. Credits

Compra una placa Arduino

Descarga el Software Arduino

Y como siempre, una Yapa musical: algunos videos con usos experimentales de Arduino.

Arduino sings ‘Daisy Bell’ from Tinker on Vimeo.

Arduino Music from Roald Joosen on Vimeo.

PureData… Ahora sí! Estamos frente a unos de los softs que están haciendo historia! Debemos decir que no es sencillo cuando uno da sus primeros pasos, pero si la experimentación  multimedial es tu búsqueda, hay que poner un ojo aquí!

Pd (también conocido como PureData) es un entorno gráfico de programación y procesamiento para audio, video e imagen en tiempo real. Es la tercera rama importante de la familia de lenguajes de programación con patches conocido como Max (Max / FTS, Max ISPW, Max / MSP, jMax, etc), originalmente desarrollado por Miller Puckette en el IRCAM. El núcleo de Pd es escrito y mantenido por Miller Puckette e incluye el trabajo de muchos desarrolladores, por lo que todo el paquete en gran medida un esfuerzo de la comunidad.

Pd fue creado para explorar ideas acerca de cómo perfeccionar el paradigma de Max con las ideas centrales de permitir que los datos sean tratados de una manera más abierta y su apertura a las solicitudes por fuera del audio y el MIDI, incorporando gráficos y vídeo.

Algunos ejemplos:

ReacTable, la joyita de la abuela (Reactivision + Pd + Processing).

Una linda y sencilla aplicación de corte educativo

Potencia Vjing, junto a Resolume.

Pruebas con controladores:
Un Joystick y Ableton.

Con Korg MicroKontrol.

De lo físico a lo virtual, una Beta con Arduino y Pduino.

También toma el movimiento

Es fácil de extender  Pd escribiendo clases de objetos (“external”) o patches (“abstractions”). El trabajo de muchos desarrolladores ya está disponible como parte del estándar de paquetes de Pd y la comunidad de desarrolladores Pd está creciendo rápidamente. Los acontecimientos recientes incluyen un sistema de abstracciones para la construcción de entornos de ejecución, una biblioteca de objetos para el modelado físico, y una biblioteca de objetos para la generación y procesamiento de video en tiempo real.
Resultado de la Soledad

Pd es software libre y se puede descargar ya sea como un paquete de sistema operativo específico, paquete fuente, o directamente desde el CVS. Pd fue escrito para ser multi-plataforma y por lo tanto es muy portátil, existen versiones para Win32, IRIX, de GNU / Linux, BSD, MacOS X y que se ejecutan en cualquier cosa, desde un PocketPC a un viejo Mac a un PC nuevo. Es posible escribir patches externos que trabajan con Max / MSP y Pd utilizando FLEXT y cyclone.

Si se te ocurren formas de vincular Pd con RedPanal, nuestra comunidad de música libre y colaborativa, solo tienes que escribirnos! Estamos avanzando con Sinetesik, por ejemplo, experimentando esta tecnología!

Entre las cosas potentes que están sucediendo, nos interesan particularmente los proyectos abierto de “código creativo”. Con diferentes perspectivas y usos, han surgido comunidades como PureData, OpenFrameworks y la flamante Cinder que están revolucionando el mundo multimedial. Hoy queremos comentarles de Processing, por su compatibilidad con HTML5 (Canvas), cuestión que a muchos creemos que incentivará a experimentar.

Processing es un lenguaje y un ambiente de programación de código abierto para personas que desean crear imágenes, animaciones e interacciones. Ha sido, es y será, uno de los sepultureros de Flash, entre otras cosas.

Inicialmente desarrollado para servir como un cuaderno de bocetos de software y para enseñar los fundamentos de programación dentro de un contexto visual, Processing también se ha convertido en una herramienta para generar trabajo profesional acabado. Hoy, decenas de miles de estudiantes, artistas, diseñadores, investigadores y aficionados que utilizan para el aprendizaje de procesamiento, prototipado y producción.

Processing puede correr sobre Java, cuestión que lo hace portable en términos web. Si te interesan las animaciones 2D y 3D, el procesamiento de audio en tiempo real o la posibilidad de vincular el mundo físico con la tecnología digital, Processing es un excelente camino para recorrer.

Acá algunos ejemplos:

Reactivo al sonido

Multi-Touch

Filtro de audio en tiempo real

Una prueba de visualización de Facebook 3D

Api para IPhone corriendo en Javascript

Orquestas MIDI

Mucho se ha hablado sobre el MIDI, los instrumentos virtuales y como componer, arreglar y/o crear música sinfónica a partir de este tipo de tecnologías. Sabemos lo dificil y costoso que puede ser acceder a una orquesta real para grabar nuestros arreglos y por otro lado también sabemos lo complicado que es hacer sonar bien un instrumento virtual o MIDI que pretenda emular una orquesta. Por eso nos pareció interesante compartir con ustedes un interesante articulo publicado por Antonio Gimenez en SONOLOGIA, su blog acerca de la tecnología musical.
Antonio Gimenez Freitez es un artista sonoro venezolano. De solida formacion acadèmica y radical pensamiento de vanguardia. Actualmente es director musical de la Banda de Conciertos del Estado Lara, director del diplomado en Direcciòn Orquestal en la Universidad Yacambu y es productor de música para audiovisual y diseño sonoro. Su música se ha tocado en festivales en Venezuela, Francia, Colombia, Brasil y España.

Está muy bueno poder apreciar la mirada de alguien con semejante experiencia en el ambito de la música sinfónica y la composición y dirección de orquestas, acerca de este tema

A continuación su artículo.

LA ORQUESTACION MIDI

Cada día se le hace más difícil a los compositores y productores musicales en general el acceso a orquestas sinfónicas, tanto por razones de costos como por razones de programación de las orquestas, que generalmente trabajan con agendas muy apretadas.
Por tales razones la computadora ha remplazado este trabajo cuando se requiere sonoridades orquestales para un film o una producción discográfica.
Tanto en la orquestación tradicional como en la orquestación midi el resultado que se busca es lograr un sonido sinfónico grandioso, pero el procedimiento de ambas es diametralmente opuesto.
En la orquestación tradicional el compositor escribe lo que quiere y la orquesta con su director se encargan de interpretarlo, en la orquestación midi el compositor parte de las librerías de sonido que tenga para realizar su obra. Esto a simple vista puede parecer algo de poca importancia pero, crear en función de las librerías de sonido que se posea es la gran diferencia entre un sonido creíble o no creíble.
Un orquestador midi debe tener un gran archivo de sonidos, conocerse bien sus librerías, ya que serán la base primordial para su trabajo, El compositor debe saber que sonidos son buenos o malos para esto o lo otro y trabajar en función de la credibilidad de ellos.

No hay que pensar que un software musical tipo sibelius o finale son para hacer orquestación midi, estas aplicaciones se usan principalmente para la notación musical, para imprimir las partituras y dársela a los ejecutantes, el objetivo de este software el la visualización de las notas y en segundo plano una audición aproximada referencial de la obra.
En la orquestación midi el objetivo es totalmente el resultado auditivo, entonces un primer violin por ejemplo, tendra diferentes pentagramas o traks según las articulaciones usadas, uno picado, ligado, stacc, etc.…
Hay software tipo samplers que trabajan con RIFFs, estos son pequeñas frases musicales pre-empacadas que se pueden combinar y formar macro-frases. Son muy efectivas si se las sabe usar.
Por ultimo esta el tema de las reverbs… el uso de la reverberación es de suma importancia ya que esta le dará el acabado final, la orquesta es un instrumento en si misma y la sala donde toca es su caja de resonancia. La escogencia y dosificación de reverberaciones es vital para dar la impresión de realidad.
Me atrevería a decir que el proceso de mezcla en esta situación es tan delicado como tratar con una orquesta real.
La suma de sutilezas hace que el resultado sea impactante.

Por Antonio Gimenez Freitez.

Más info: SONOLOGIA

El amigazo redpanalero Mauro Saldaño nos envío este texto sobre cómo conseguir una versión de una canción sin las pistas de las voces en ella. Ahí les va:

Miles de millones de veces nos morimos por tocar o cantar ese Cover tan pulenta que se nos presenta a modo de hit lustrado, elegante, que nos patea el tímpano desatándonos la pregunta infinita del músico promedio que dice algo así como: ¿que tiene el que no tenga yo?

Luego de hacerse esta pregunta muchos músicos han pecado reluciendo sus egos a lo Pucará y mandándose de lleno a cantar o tocar el hit en el cantobar rockero de moda, y resulta que ahí se dan cuenta que……. no es lo mismo. El público no los aplaude.

¿Por que?
A los que tantas veces se han planteado la disyuntiva, hoy les descifraré la respuesta: Las pistas ORIGINALES de estudio…. Tienen S W I N G!

Dejando en claro que una pista “Karaoke” con Swing es lo opuesto al midi amachimbrado de cantobar del día jueves por la noche, intentare explicar los conceptos que use para lograr las pistas “Karaoke originales” elaboradas directamente desde el track del CD del artista y obtendremos así el peso sonoro que nos dará esa ovación de gol de superclasico al finalizar nuestro tan querido Cover Hitero.

Elección del track.

Cuando elijo el track testeo el formato en el que esta compuesta la canción. Los formatos más comunes son miles pero si encontramos el hit sin mucho firulete va a ser mejor para comenzar a trabajar. El formato mas usado por lo general es:

intro – A -B– puente – estribo- A-B- Estribo – Punteo – estribo – Fin.

Teniendo ubicada nuestra canción con el formato estándar y la ayuda de un programa de edición (multipista) simple como por ejemplo el querido “Tractor de la edición” Cool Edit Pro 2.0, podemos utilizar recursos del programa que nos ayudaran obtener la totalidad de la canción sin interrupciones de voz.

-Para comenzar abrimos la canción dentro del programa abriendo el programa primero y arrojando el archivo dentro o desde la solapa File/ Open.

Una vez que tenemos nuestro muestreo en pantalla vamos a prestar atención a los compases de la INTRO, en donde trataremos de identificar de oído y visualmente la BASE que luego usará el cantante para desarrollar su melodía a la cual denominamos parte “A”.

-Una vez que escuchamos e identificamos los compases que vamos a usar, seleccionamos dichos compases con el cursor.

Cuando la tenemos seleccionada se copia y se corta en un archivo nuevo. Para esto debemos procurar que los cortes sean de compás completo para poder loopear por ejemplo: Marcamos el inicio del corte desde un punto previo a un golpe de Bombo + Crash así ese bombo inicial quedar dentro de la selección que haremos. Luego seleccionamos el final exacto de los 4 u 8 compases que loopearemos pero cortamos igual que al inicio para dejar el próximo BOMBO + Crash Fuera de la selección para que este golpe final quede fuera de la selección.

- Ahora para comenzar a darle forma a nuestro propio track podemos colocar la intro tal cual como esta y cuando comienza la línea vocal, loopear o repetir el extracto que separamos de la intro que será la base donde cantaremos nosotros.

De la misma forma copiamos y pegamos otras partes a lo largo de la canción que no tienen voz y que se pueden utilizar para darle forma al esqueleto de nuestro Track sin voz, incluyendo punteos, puentes instrumentales y final.

Si de alguna forma nos encontramos con arreglos de violines, instrumentos, o coros que ingresan de fondo cuando comienza la voz y queremos que estén en el fondo de nuestra pista podemos usar la Opción de PLUG IN que simula un karaoke, que por lo general nos quita la voz pero también otros instrumentos esenciales como la batería o guitarras que estén en un primer plano.

Seleccionando la parte que le vamos a aplicar el Efecto (Plug-in) , aplicándolo, cortando y copiando en un nuevo archivo, como describí anteriormente podemos sumar las dos pistas simultáneamente (La del efecto mas la extraída de la intro) y escucharemos de fondo nuestros violines o arreglos instrumentales y al frente nuestra pista extraída de la intro, juntas y sin la voz.

Con estos trucos podemos obtener un track masterizado, grabado por los mismos artistas, con el mismo feeling y swing que en el disco que resaltara en cualquier fiesta o cantobar y por más que nosotros no cantemos como esos artistas, tendremos sus instrumentos grabados por sus bandas al igual que ellos.